Violent Femmes (Violent Femmes)

Milwaukee, Wisconsin, Estados Unidos, principios de los 80: tres amiguetes (Gordon Gano, voz/guitarra; Brian Ritchie, bajo; y Victor DeLorenzo, percusión) generan, sin saberlo, una de las piedras angulares de todo el punk-rock alternativo que estaba por venir. Tomando como nombre el argot de Milwaukee “femme” para algo así como “pelele”, el primer y homónimo disco de los Violent Femmes condensa toda la angustia y el nerviosismo adolescente en un contexto único: el folk-punk. O, lo que es lo mismo, ritmo y temática propias del punk a través de sonidos acústicos.

Como otras tantas veces ha sucedido a lo largo de la historia, el disco no disfrutó del merecido reconocimiento hasta mucho tiempo después de su lanzamiento. De hecho, sólo llegó a ser disco de platino diez años después de ver la luz. Sin embargo, esta indiferencia contribuyó indudablemente a situar la obra en lo más alto dentro de los círculos underground y a convertirla en disco de cabecera para muchas generaciones de adolescentes incomprendidos y cabreados.

A lo largo de sus diez o doce temas (la versión inglesa publicada por Rough Trade traía dos cortes extra), Violent Femmes (Rhino, 1983) es la prueba de que la electricidad, aunque ayuda, no es la única forma de canalizar la mala hostia, la ansiedad, la angustia, la incertidumbre adolescente o como queráis llamarlo. Así, podemos decir que nos encontramos ante un sonido propio, el sonido Violent Femmes que, todo hay que decirlo, lamentablemente nunca llegaron a reproducir con tanta calidad en ninguno de sus discos posteriores.

Resulta realmente difícil elegir algunos temas del disco y descartar otros, pero yo personalmente me quedo con Blister in the Sun, todo un clásico que abre el disco; Kiss Off, con su tremenda línea de bajo y su letra; Add It Up, mi favorita, un estallido punk en toda regla, una declaración de intenciones, un himno adolescente que encierra todo lo que uno piensa cuando tiene 16 años; y Gone Daddy Gone, con su inconfundible xilófono (sí, se puede ser cool con un xilófono).

Resumiendo, y como siempre digo al final (algún día escribiré sobre un disco que no me guste, a ver qué tal…), un disco imprescindible. Una obra que debería ser materia obligada en los institutos de todo el mundo. Un puñado de canciones que consiguen recargar mis baterías interiores siempre que las escucho, y es que, como alguien dijo, “huele a espíritu adolescente” y de qué manera.

In Pure Spite (The Maharajas)

Cuando uno piensa en Suecia, así a bote pronto, lo primero que le viene a la cabeza es nieve, buen nivel de vida, Volvos y Saabs, vocales con circulitos encima, gente guapa y, de un tiempo a esta parte, trilogías literarias que arrasan en las librerías. Pero hay un lado menos conocido (al menos para el gran público) en el devenir sueco: su vasta producción musical (se dice que es el tercer país exportador de música del mundo, por detrás de los Estados Unidos e Inglaterra) y, más concretamente, la indiscutible calidad de sus bandas de rock. Y es que, amigos, la cosa no se queda en ABBA, sino que grupos como The Hives, The Nomads, Backyard Babies o The Hellacopters han subido, cada uno con su estilo propio, a Suecia en el podio del ruakanrol mundial.

Así, la banda que os presento aquí también viene del frío sueco, aunque os aseguro que frío precisamente no es lo que le hacen sentir a uno con su sonido. The Maharajas fueron fundados a finales de los 90 por Jens Lindberg, un veterano de la escena sueca, como forma de canalizar su pasión por el beat garagero, los sonidos sixties y el rock&roll. Para ello, reclutó a lo mejor de cada casa y le dio forma a su banda. Dicho esto, ya sabéis por dónde nos movemos: puro sonido Telecaster, amplis vintage, órganos Farfisa y fuzzbox a raudales. Para los puristas, indispensables los botines, el flequillo y las patillas bien largas.

In Pure Spite (Low Impact-Bloody Mary, 2007) es la cuarta, y hasta la fecha última, rodaja de estos garageros suecos. ¿Y qué encontramos en ella? Pues, aparte de lo ya mencionado (léase garage y rock&roll del bueno), toneladas de diversión y buen rollo condensadas en doce pepinazos que no hacen sino incitarte vilmente al baile y al descontrol, y dos temazos más lentos (Alaska Beach y I’m Going Home), de ésos que antes les grabábamos en una cinta a la chica que nos molaba. De los mencionados pepinazos, el que escribe se queda con Repo Man, que abre el disco y deja claro de qué va el asunto; On Hold (For Too Long), que encierra todas las esencias de la banda; y Split Personality, que si no te hace bailar es que estás más congelado que una varita de pescado (sueco, por supuesto).

Resumiendo, un concentrado vitamínico de sixties beat y rock&roll idóneo para estados carenciales de agitación y diversión. O, dicho de otro modo y parafraseando a los Doctor Explosion (grandes, muy grandes): antes de que sea tarde… ¡¡Diviértete!! ¡¡Muerte al rock!! ¡¡Larga vida al Rock&Roll!!

Car Wheels on a Gravel Road (Lucinda Williams)

El rugiente motor de un Buick o de un Cadillac (o de cualquier arquetípico coche americano) haciendo que las gomas montadas sobre unas llantas cromadas vayan devorando una rectilínea y solitaria carretera, en la que sólo los ocasionales moteles (y una cerveza de cuello alto bien fría) puedan hacernos parar. Este es el marco en el que siempre he deseado escuchar este disco. De momento, y hasta que pueda hacerlo, me lo he traído a Venus para que conozcáis (los que no tenéis el placer) a esta dama sureña única: Lucinda Williams.

Dueña de una voz rota y autora e intérprete de impresionantes canciones con una gran riqueza literaria, Lucinda Williams es un diamante en bruto que no necesita ser pulido porque las historias que cuentan sus canciones son duras como el cemento y duelen como el alambre de espinos, pero brillan hasta hacer que cierres los ojos, y únicamente escuches. Nacida en Lake Charles, Louisiana, su padre fue profesor de literatura y poeta, e influyó decisivamente en ella transmitiéndole el amor por las letras y el gusto por el blues del Delta del Mississippi y Hank Williams. Por otro lado, su madre le transmitió el interés por el folk a través de figuras como Bob Dylan, Leonard Cohen y Joni Mitchell. Con este bagaje musical tras ella, no es de extrañar que Lucinda decidiera contar historias utilizando el blues, el country, el rock, el folk y el Cajún como acompañamiento para sus letras.

Car Wheels on a Gravel Road (1998) fue el quinto album de Lucinda, y el primero publicado por una major (Mercury Records) tras haber publicado sus anteriores obras en sellos menores. En su conjunto, es un concentrado de buena música americana con raíces profundas en el country-rock. En él podemos encontrar una brillante descripción de la vida en los estados sureños de los Estados Unidos, de hecho, son numerosas las referencias a diferentes ciudades o lugares a lo largo del disco. Asimismo, Lucinda se adentra en los entresijos de amores que terminan mal o de lo que pudo haber sido y no fue. Las melodías son sencillamente deliciosas, de forma, que tras escucharlas un par de veces, te encuentras tarareando las canciones. Su voz suena firme y rota, la percusión tiene un brillo especial, las guitarras se apoyan con frecuencia en el slide y sus notas fluyen, y la armónica aparece reforzando todo el conjunto.

En definitiva, una obra mayúscula. Un disco tremendo de una autora inigualable en la que nada es fingido o impostado, sino que destila autenticidad por todos los lados. Yo tuve la suerte de verla en directo y me sacudió, me noqueó, me vapuleó como pocos directos lo han hecho. No lo dudéis, sacad la botella de Jack Daniel’s, algo de hielo, subid el volumen en el ampli y disfrutad de un rato con Lucinda Williams. Os aseguro que no la olvidaréis.

End of Love (Clem Snide)

No hay ningún adjetivo que, por sí solo, pueda definir todo lo que encierra este disco, y no queda sino recurrir a literarios binomios adjetivales para tratar de acercarnos al meollo del asunto. De este modo, el quinto disco del inestable (continuos cambios de formación han sacudido la banda) proyecto musical de Eef Barzelay podría definirse como melancólicamente delicioso, orgánicamente íntimo, amargamente dulce o brillantemente catártico. Las posibilidades son infinitas, tal es la grandeza de esta obra.

La causa del inmenso abanico de sensaciones que provoca la escucha de End of Love viene marcada, sin duda, por los múltiples ingredientes musicales que lo componen. Así, podemos encontrar las dosis justas de country-rock, jazz y folk, fijadas todas con el brillante barniz del pop alternativo. Con el amor, no podía ser de otra manera, como eje principal del disco, la mezcla resulta en un compendio de la mejor tradición musical americana que va desde Gram Parsons o Neil Young a Lambchop pasando por Wilco.

El amor, decíamos. En todas sus vertientes, eso sí, para lo bueno y para lo malo. Porque como vemos en la canción que abre el disco, End of Love, “…no one will survive the end of love”. Por otro lado, antes de que eso pase, conviene empaparse de la vital Fill Me with Your Light o tratar de comprenderlo, el amor digo, meciéndonos en la preciosa Tiny European Cars. Para cuando ya no exista remedio, la onírica Something Beautiful, nos mostrará lo que el amor nos puede llevar a hacer; y la deliciosa When We Become casi nos convencerá de la necesidad del mismo. Para otro tipo de amores, más personales y subjetivos (si cabe), Jews For Jesus Blues y God Answers Back son la respuesta.

Para finalizar, y volviendo a asuntos terrenales o, mejor dicho, venusianos, no queda sino recomendaros encarecidamente este fantástico disco. En realidad, os recomiendo toda la discografía de Clem Snide (sin duda, una de mis debilidades), pero si queréis acercaros a ellos por primera vez, End Of Love es vuestro disco. Os garantizo que no os dejará indiferentes. Yo, por mi parte, me lo llevo a Venus para disfrutarlo tranquilamente durante una soleada mañana o una lluviosa tarde, da lo mismo.

Them Crooked Vultures (Them Crooked Vultures)

El mismo año 1969 en el que nacía Dave Grohl (Nirvana y Foo Fighters, entre otros), Led Zeppelin iniciaba su

contunden-te carrera musical con la publicación de sus dos primeros elepés. Poco, o nada, podía imaginar el joven Grohl, atraído desde su adolescencia por el sonido megalítico de bandas como los propios Led Zeppelin, Black Sabbath o KISS y por el frenesí punk de Black Flag o The Germs, que cuarenta años más tarde grabaría un jugoso disco con el bajista del plúmbeo globo, el incontestable John Paul Jones. Y encima, todo hay que decirlo, acompañados por la guitarra/voz de otro monstruo como Josh Homme (Kyuss, Queens of the Stone Age).

El resultado de la unión de semejante trío es, como no podía ser de otra manera, una suculenta rodaja musical con trece pelotazos del mejor rock aderezado con sonidos stoner, grungies e incluso progresivos. Parece ser que la idea de hacer algo juntos empezó a fraguarse en 2005, sin embargo, el proyecto quedó aparcado y no fue hasta el verano de 2009 cuando la banda anunció que habían grabado un disco, el homónimo Them Crooked Vultures.

A lo largo de los trece temas que componen el disco, el trío se muestra como una máquina de generar rock de alto voltaje perfectamente engrasada y en la que el bagaje personal de cada uno de los componentes se fusiona de forma que sean claramente apreciables reminiscencias a Nirvana, Queens of the Stone Age y, por supuesto, Led Zeppelin, sin que ninguna llegue a predominar en el conjunto.

A destacar por un servidor, sin desmerecer todas las demás, No one loves me & neither do I con su pesado y zeppeliano riff; Elephants, veloz, pegadiza y perfecta como single; Scumbag Blues, con una tremenda línea de bajo; Warsaw or the first breath you take after you give up, temazo de más de siete minutos con toques noise; y la que cierra el disco, Spinning on Daffodils, que encierra todas las esencias de la banda.

En definitiva, un disco imprescindible en nuestra discoteca venusiana que hará las delicias de todos aquellos adictos al rock de alta graduación. Con la esperanza de que este proyecto no se quede en un único disco, de momento le sacaremos todo el jugo posible a esta joya.